Музыка и драматургия XVIIв. (часть 2)

809

Венецианская опера

Если во Флоренции большее значение придается тексту, а в Риме большую ценность приобретает музыка, то в Венеции на первый план выступают элементы, связанные с постановкой. В венецианской опере впервые все элементы лирического спектакля оказываются объединенными: бельканто, экспрессия, комизм, динамично развивающийся ритм, ария и рассказ.

Кроме Монтеверди, написавшего для Венеции четыре оперы - «Адонис» (1639), «Свадьба Энея и Лавинии» (1641), «Возвращение Улисса на родину» (1641) и «Коронация Поппеи» (1642), - для этого города творили еще оперные композиторы Франческо Кавалли и Пьетро Чести.

Пьер Франческо Кавалли (1602 – 1676) в 1640 г. был органистом в соборе Св. Марка, в 1688 г. – капельмейстером капеллы. Пьер Франческо Кавалли писал духовную музыку в стиле Дж. Габриели и Монтеверди. Он сочинил и поставил с 1639 по 1669 г. 39 опер. После Монтеверди Кавалли – самый первый крупнейший представитель венецианской оперной школы.

Характеристики названных опер тесно связаны с вкусами и стилем того времени. В основе оперного стиля лежала декламация, при этом предпочтение отдавалось связи музыки с текстом. Наиболее значительные оперы Кавалли, поставленные в Венеции, следующие: «Свадьба Фетиды и Пелея» (1639), «Дидона» (на либретто Дж. Р. Вузенелло, 1641), «Эгисф» (Дж. Фаустини, 1643), «Орминдо» (Дж. Фаустини, 1644), «Ясон» (Дж. А. Чиконьини, 1649), «Эритрея» (Дж. Фаустини, 1652), «Ксеркс» (1654); кроме того, в Париже была поставлена опера «Геракл-любовник» (Р. Бюти, 1662).

Пьетро Чести, или Марк Антонио (1623, Ареццо – 1669, Флоренция), начал свою карьеру в качестве оперного композитора с работы «Оронтея», прошедшей в Венеции с большим успехом в 1649 или в 1650 г. Состоял на службе у эрцгерцога Фердинанда Карла в Инсбруке с 1652 до 1659 до 1659 г.; в этот год он принял духовный сан и в качестве тенора поступил в папскую капеллу. В 1662 г. Пьетро Креспи опять оказался и Инсбруке, с 1665 г. служил при венском императорском дворе, получив должность руководителя театральных оркестров. Вершиной его карьеры стал опера «Золотое яблоко», постановка которой была приурочена к свадьбе императора. Чести был крупнейшим представителем итальянской оперы второй половины XVII в. Он разделял принципы венецианской оперной школы. Чести акцентировал внимание на тенденции к членению оперы на замкнутые части короткими мелодическими и напевными ариями, часто патетическими, на что его подталкивал врожденный темперамент мелодиста, отчасти в ущерб психологической дифференциации персонажей. В операх, написанных в зрелые годы, Чести большее внимание уделяет виртуозности пения и хорам, полифонически очень сложным. Из 13 опер, сочиненных Чести, приобрели известность «Александр – победитель самого себя» (1651), "Дори" (1657).

Неаполитанская опера

В Неаполе первые театральные представления происходили в академиях знати, например Карла Джезуальдо, князя Вензоны, - музыканта двора XVI в. В XVII в. возникли музыкальные школы четырех консерваторий: Св. Марии ди Лорето, Св. Онофрио да Капуана, Пьета деи Туркини, Бедняков Иисуса Христа. Это были благотворительные учреждения при сиротских приютах, целью которых, помимо прочего, было также обучение мальчиков пению и музыке (игре на инструментах).

Первые оперные постановки в Палаццо Реале (Королевский дворец) восходят к середине века. Сначала была поставлена опера» Коронация Поппеи» К. Монтеверди (1651). На смену венецианскому репертуару пришли оперы местных композиторов, чему способствовал Ф. Коппола, капельмейстер королевской капеллы. За Копполой последователи П. А. Циани и А. Скарлатти, назначенный в 1684 г. на пост капельмейстера капеллы. С перерывом между 1702 и 1708 гг. он занимал эту должность до самой смерти (1725). Скарлатти задал новый импульс музыкальный жизни в городе: в этот период такие композиторы, как Д. Сарро, Н. Порпора, Ф. Фео, Ф. Манчини. Кроме драм, на сцене появилась комическая опера на неаполитанском диалекте: первой была «Челла’’ М. Фаджоли, представленная во дворце князя Кьюзано (1707).

Музыка Франции

Музыкальный французский театр возник при Ж. Б. Люлли, опиравшемся в своем творчестве на произведения П. Корнеля, Ж. Расина и Мольера. В оперном плане деятельность Люлли сыграла решающую роль. Немаловажное значение для развития оперного искусства имели также М.-А. Шарпантье (учился в Риме у Дж. Кариссими), М.-Р. Деладанд и А. Кампра, которые эффективно работали и в области духовной музыке.

Марк-Антуан Шарпантье (1634/36 -1704, Париж) вернулся в Париж в 1662 г. и до 1685г. сотрудничал с Мольером и П. Корнелем при подготовке важнейших театральных спектаклей, сопераничая с Ж. Б. Люлли. Шарпантье был капельмейстером парижской часовни Сент Шапель и занимался главным образом духовной музыкой. Связанный с итальянской традицией и глубоко знавший контрапункт, Шарпантье сочинил множество музыкальных произведений для театра (около 15 работ из которых, кроме «Давида и Ионафана’’ (1688), утеряно), сценической музыки, ораторий или драматических мотетов (35 по большой части на латинском языке); он написал 8 кантат, 11 месс, 84 псалма, писал духовную (около 300 сочинений, из них 4 Te Deum) и светскую музыку.

При дворе Людовика XIV получила развитие замечательная инструментальная традиция. На службе у короля состоял знаменитый ансамбль скрипачей-виртуозов, игравших на 24 скрипках, исполнявших как раз те «симфонии», которые вместе с масштабными театральными увертюрами Люлли послужили возникновению таких музыкальных произведений, как концерт (Ж. Обер, Ж.-М. Леклер) и соната (Ф. Куперен, Ж. В. Сенелли). Богатая традиция игры на лютне Чинквеченто способствовала развитию жанра французкой сюиты, который стали широко использовать в музыке для клавесина Жан-Анри Англебер, Николя-Антуан Лебег, Ф. Д’Аедриё, Н. де Гриньи, Н. Жиго. Над всеми этими композиторами главенствовал Куперен, благодаря которому клавишная музыка стала самой популярной в Европе.

Лирическая трагедия: Ж. Б. Люлли

Итальянец Джованни Баттиста Люлли (1632, Флоренция – 1687, Париж), во Франции взявший имя Жан Батист Люлии, был танцором, композитором, дирижером оркестра. Примерно в 1643 г. герцог Гиз взял Люлли с собой в Париж и пристроил в качестве garcon de chamber со своей племяннице мадемуазель де Монпансье. При ее дворе Люлли развил свои природные способности к музыке и танцам под руководством М. Ламбера, на дочери которого в 1662г. он женился. В 1652 г. он поступил на службу к Людовику XIV и быстро сделал карьеру благодаря своим артистическим способностям. Карьерному росту способствовали появление замечательных придворныз балетов, сочиненных Люлли в сотрудничестве с И. де Бенсрадом, а также ловкость, с которой композитор сумел приспособиться к придворной обстановке. В 1661 г. он стал суперинтендантом и композитором камерной музыке при вдворе и начал сотрудничать с Мольером, П. Корнелем и Ж. Расином. В 1671 г. Мольер и П. Корнель передали Люлли было пожаловано звание директора Королевской академии музыки. Пользуясь привилегированным положением, предоставлявшим ему фактически полную монополию в области драматической музыке, Люлли начал с «Кадма и Гермионы’’ (1673), взяв за основу текст любимого либреттиста Ф. Кино. После этого он поставил серию лирических трагедий: «Альцест’’  (1674), «Тесей’’ (1675), «Персей’’ (1682), «Фаэтом’’(1683), «Амадим’’ (1684), «Роланд’’ (1685) и шедевр «Армида’’(1686). Это наиболее значительные музыкальные драмы.

Своими лирическими трагедиями Люлли заложил основы французского лирического театра; принципы этих трагедий оставались неизменными вплоть до революции 1789 г.: структура текста, скопированная с блестящих образцов трагедии «великого века’’; речитатив, сливающийся с фонетической и смысловой структурой слова; ариями двух-трехчастной формы или в форме рондо, виртуозней шей техники; хор и балет, естественно включаемые в пышное зрелищное представление; разнообразное и блестящее оркестровое сопровождение, развертывающееся и блестящее оркестровое сопровождение, развертывающееся в многочисленных инструментальных эпизодах (начиная с увертюры, которой Люлли придал типичную французскую структуру, складывающуюся из двух эпизодов в медленном темпе, включающих аллегро в форме фуги).

Музыка в немецкоязычных странах

Как и в эпоху Возрождения, музыка барокко испытывала сильное итальянское и французское влияние: это касается и инструментальной музыке, и монодии. Для Германии барокко было периодом наивысшего расцвета особенно в области духовной и инструментальной музыки. Крупнейшими фигурами первого поколения музыкантов были Генрих Шютц и Самуэль Шайдт – основатели немецкой органной традиции, Иоганн Герман Шейн, автор инструментальных сюит и танцев, а также В. Хаусман, И. Пош и П. Пойерль.

Генрих Шютц

Генрих Шютц, известный также как Хенрикус Сагиттариус, родился в Кёстрице, близ Геры, Тюрингия, в 1585 г. и умер в Дрездене в 1672 г. Был хористом в Касселе и студентом Марбургского университета (1608), затем совершенствовал свои знания (1609 – 1612) у Дж. Габриели в Венеции, где опубликовал свою первую книгу «Мадригалы на 5 голосов’’ (1611). Вернувшись в Кассель, поступил на службу к ландграфу Морицу ди Ассиа – Кассель в качестве органиста, а с 1617 г. служил при дрезденском дворе капельмейстером капеллы, которую реорганизовал на итальянский лад, введя концертный стиль и пригласив музыкантов из Италии.

Поклонник итальянской музыке (в 1611 г. опубликовал книгу из 19 мадригалов на итальянском языке), Шютц, проанализировав полифоничность А. и Дж. Габриели и монодию Монтеверди, приспособив их к немецкому языку, предложил свой стиль. Таким образом, во втором сборнике «Псалмы Давида’’ (1619, 26 фрагментов) он показал себя уже серьезным знатоком как полифонии, так и «recitar cantando»; в то же время в « 5 Историях» (оратории, из которых он издал только первую о Пасхе, 1623)  и в «Священных песнопениях» ( 89 сочинений, 1625 ) он достигает большой выразительной силы в драматических эпизодах и необычайной выразительности монодийного мадригала. Шютц сочинил также первую оперу на немецком языке («Дафна», 1627, утеряна); в 1629 г. появились «Священные симфонии» (19 фрагментов) – выдающийся пример концертного стиля, а в 1645 г. «Семь слов Иисуса Христа» – шедевр, в котором собраны элементы мотета, венецианского концертного стиля и драматического речитатива. Из работ, написанных Шютцем в зрелом возрасте, можно назвать "Духовную хоровую музыку" (29 отрывков, 1648), "12 духовных песен" (1657), трое « Страстей» (по Луке, Матфею и Иоанну, 1665/66) и последнюю масштабную полифоническую работу («фресковую») «Немецкий Магнификат» (1671).

Инструментальная и священная музыка

На органную и клавесинную музыку повлияли Дж. Фрескобальди и французские музыканты (в XVIII  в. также голландец Я. Н. Свелинк). Основными немецкими представителями, при которых эта музыка достигала высочайшего расцвета, были И. Я. Фроберг, И. Пахельбель, Г. Шейдеман, Д. Букстехуде, Н. Брунс и Г. Бём.

Скрипичная и оркестровая музыка ( заметное влияние на нее оказали французы, в основном Ж. Б. Люлли, и главным образом на сюиту) представлена творчеством Г. И. Ф. фон Бибера, И. Розенмюллера, Н. А. Штрунгка, Г. Муффата и Ф. Г. Эрлебаха. Давление Германии на лютеранскую и католическую прежде всего отразилось на духовной музыке (и на органной музыке литургического характера). При лютеранских дворах и церквях на основе духовного концерта на немецком языке получила развитие духовного кантата, впитавшая традицию хорала. Таким образом, появился жанр, который не встречается в других странах.

Вершиной развития вокальной и инструментальной традиций, о которых здесь лишь упоминается, явилось творчество величайшего композитора И. С. Баха, о котором речь пойдет в главе 7.

Дитрих Букстехуде

Датский композитор и органист Дитрих Букстехуде (1637, Ольдеолоэ – 1707, Любек) был приглашен на престижную должность органиста в Мариенкирхе в Любеке, которую он занимал в течение всей жизни. Кроме того, с 1673 г. он организовывал концерты духовной музыки, в которых принимали участие муниципальные музыканты. Органист европейского уровня (И. С. Бах, чтобы послушать его ярчайшим представителем так называемой северной школы; придерживаясь направления, начало которому положил Я. П. Свелинк, он разрабатывал стиль грандиозных звуковых построений. Букстехуде умел сочетать строгую северную полифонию с гомофонным стилем и экспрессией. Онсочинил около 80 органных произведений (хораллы, токкаты, канцоны, прелюды, фуги, произведения на остинатных басах); не менее важное значение имеют сочинения инструментальной музыки. Композитор – поклонник французского стиля, прежде всего это касается трио-сонат, в которых вместо второй скрипки используется виола да гамба. Наиболее содержательная часть вокальной музыки написана Букстехуде для литургической службы. Из 120 кантат для солистов и хоров, более коротких по сравнению с Быховскими, выделяется цикл «Страстей» Membra Jesu nostril (1680).

Английская музыка от школы вёрджинелистов до Пёрселла

В Англии с конца XVI до первой половины XVII в. с блеском использовался вёрджинел, инструмент, родственный клавесину и являющийся его разновидностью. Все наиболее известные композиторы увлекались музыкой для клавишных инструментов: это был круг людей, вошедший в историю музыки под названием «английские вёрджинелисты» (от У. Бёрда до Т. Морали, от Дж. Фарнаби до П. Филипса, от Дж. Булла до О. Гиббонса). Сборник их сочинений и другие многочисленные компиляции того времени, содержащие большое число пьес для вёрджинела в самых разных формах (вариации, фантазии, транскрипции вокальных произведений и др.), явно свидетельствуют об абсолютной музыки. Во времена последующего царствования Стюартов и пуританской республики О. Кромвеля английская музыка приходит в упадок: полифоническая традиция и оригинальные сочинения в инструментальной сфере исчезают. К середине XVII в.  начинает распространяться mask, или maske, - особый жанр, в котором танец, музыка и поэзия сочетались с мимикой и речитативом. В то время активно работали такие музыканты, как Г. Лоус, М. Локк и прежде всего Джон Блоу, опера которого «Венера и Адонис»  явилась началом короткого, но блистательного музыкального возрождения. В конце XVII в. главенствующей фигурой был Г. Пёрселл: он блестяще соединил итальянский инструментальный стиль, французскую мелодраму и английскую традицию, сочинив оперу "Дидона и Эней", представляющую собой шедевр английского оперного искусства.

Генри Пёрселл

Генри Пёрселл (1659 – 1695, Лондон) принадлежал к семье музыкантов. Он получил образование и служил преимущественно в королевской капелле в Лондоне в период реставрации: мальчиком пел в хоре, в 1677 г. Пёрселл был назначен постоянным композитором для оркестре «Скрипки короля», в 1679 г. стал органистом в Вестминстерском аббатстве и в 1682 г. также в королевской капелле. В 1683 г. он получил пост органного мастера и хранителя музыкальных инструментов, а в 1685 г. стал клавесинистом «частной музыки» нового короля Якова II. Оставаясь приверженцем английской традиции Возрождения и барокко, Пёрселл явно испытывает влияние французской и итальянской музыки. Творения Пёерселла, в которых слились эти три компонента, отличаются необычайным богатством и оригинальностью. В Англии в то время не создавалось ничего подобного. Уникальные творения делают Пёрселла одним из величайших протагонистов европейского барокко. В его первых сочинениях заметен значительный интерес к инструментальной музыке: в юношеские годы им написаны 15 «Фантазий для виолы» (около 1678 – 1680) в типично английском жанре. В них проявилось исключительно большое мастерство Пёрселла как знатока контрапункта. В 1683 г. были опубликованы 12 сонат, написанные по итальянским образцам (без даты), а затем еще 10 сонат, содержащих также искусно написанную чакону. В последние годы Пёрселл сочинял в основном музыку для театра: за исключением «Дидоны и Энея», настоящей оперы, написанной для частной постановки и потому небольшой по размеру (1689). Что касается других сорока пьес, для которых Пёрселл писал сценическую музыку, то особое место по значительности музыкальной части занимают оперы «Пророки, или История Диоклетиана» (1690), «Король Артур» (1691), «Королева фей» (1692), «Королева индейцев» (1695), «Буря» (1695). Об особой способности Пёрселла сочинять вокальную музыку свидетельствует  популярность, которой длительное время пользовались песни (105), дуэты (43), кэтчи (многоголосная бытовая песня-канон) (57); но гораздо значительнее та часть его творчества дворцовых церемоний), кантаты (10), антемы (68) и другая духовная музыка.

Другие статьи

Анализ произведения Хачатуряна А.И. "Концерт для скрипки с оркестром"

Скрипичный концерт написан Хачатуряном в 1940 году. Это…
Читать

Сказочные оперы Н.А. Римского-Корсакова

Снегурочка, Ночь перед Рождеством, Садко, Царская…
Читать

Особенности итальянской вокальной школы

Итальянская школа, ярким представителем которой…
Читать

Лексика песен М.П. Мусоргского

Музыкант Мусоргский обладал бесценным даром…
Читать

Балеты П.И. Чайковчкого

П.И.Чайковский справедливо считается реформатором…
Читать